Alerta spoiler: sin entrar de lleno en el argumento, la siguiente reseña comenta algunos detalles de la película.
Ambientada en Los Ángeles, 1969, la película “Érase una vez… en Hollywood” sigue al actor Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) y su doble y amigo Cliff Booth (Brad Pitt) mientras hacen lo que pueden para sobrevivir durante el declive de la Edad de Oro de Hollywood. Es esta cinta, Quentin Tarantino incluyó representaciones de actores y cineastas de la vida real a lo largo de la historia, como por ejemplo: Sharon Tate (Margot Robbie) y Bruce Lee (Mike Moh).
Una película que te hace sentir melancolía siendo una comedia. Eso es lo que ocurre con “Érase una vez… en Hollywood”, que nos muestra el “what if?” de lo que pasó –o podría haber pasado– en aquella terrible noche en Hollywood, cuando Charlie Manson y su culto perpetuaron los Tate Murders.
Con un gran soundtrack, la película logra transportarnos a los años sesenta. Encontramos de nuevo un gran trabajo de parte de Robert Richardson, uno de los tres camarógrafos vivientes que ha ganado tres premios Oscars (por la cinematografía de sus películas “JFK”, “The Aviator” y “Hugo”). Es muy posible que con esta película, Richardson vuelva a ser nominado. A mi parecer, debería serlo. Entre soundtrack y fotografía han capturado la idea de Tarantino y han logrado que sea agradable a la vista. Hay tomas que te dejan boquiabierto y hacen que nos preguntemos cómo fueron realizadas.
La novena entrega de Tarantino es una comedia que no se le puede comparar a ninguna de sus predecesoras. Sin embargo, sí se acerca un poco –en su estilo– a “Jackie Brown (1997)” y –en su comedia– a “Django Unchained (2012)”. La carta de amor del director a Hollywood en la década de 1960, donde todas las mujeres son estereotipos y los hombres blancos son las verdaderas víctimas, perturba y deslumbra en igual medida.
Una de las cosas que me sorprendió fue la falta de violencia. Es muy conocido que la filmografía de Tarantino muestra una violencia excesiva. Y al conocer el argumento y los sucesos que se narran, uno esperaría eso mismo. Sin embargo, a lo contrario de lo que ocurre en sus otras películas, Tarantino se toma más tiempo y nos explica con mayor desarrollo el arco de los personajes: Nos va dando pedazos de hermosa violencia, por aquí y por allá, pero sin exagerar. Y la violencia aparece solo hasta que es necesario. En lo que no sorprende es que vuelve a hacerlo de manera fantástica.
«A pesar de que esta es una película ambientada en el Hollywood de antaño, Tarantino logra hacer una fuerte crítica a la Meca del cine actual, cuando la ostentación de poder ha comenzado a cambiar. La moderna es una industria que ha comenzado a rendir cuentas»
Con eso en mente, la decisión de Tarantino de generar apoyo y simpatía por parte de la audiencia para el personaje de Brad Pitt –cuya carrera se ha estancado debido a las acusaciones de violencia contra una mujer–, se siente como una provocación deliberada al movimiento #MeToo. Al final, no sería una historia de Tarantino si no se enfrentara a una controversia. Con el tiempo, los fanáticos decidirán si es uno de sus mejores trabajos o si es uno de esos que caerá en el olvido.
La película te hace reír con las brillantes actuaciones de Leonardo Di Caprio y Brad Pitt. Me encontré en la sala, viendo con ojos brillantes las transiciones y tomas preciosas que lograban empaparme de esa época. Diálogos inteligentes y la amistad entre los dos personajes principales hacían que uno se mantuviera pendiente de lo que venía luego. Al centrarse en hechos reales, la sensación era de un deja vu. Sin embargo, al tener tantos personajes que necesitan un desarrollo psicológico importante para entenderlos como individuos, algunas escenas –por más realizadas que estén– se sienten algo largas. La película tiene una duración de 2 horas y 40 minutos y este peso comienza a experimentarse en el tercer acto. No obstante, Tarantino logra mantenerte pegado a la pantalla, aunque no sea a lo que te tiene acostumbrado.
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